TERRI BROOKS La profondità del nulla – PRINCIPIA –

La profondità del nulla

Terri Brooks: Principia

A.J.Byrnes

A cosa serve l’arte astratta? A cosa servono alla gente e alla società immagini di niente, dipinti o sculture o disegni che al primo impatto sembrano non mostrare altro che se stessi? Queste parole di apertura appartengono ad un testo fondamentale dello scrittore e accademico americano Kirk Varnedo e articolano succintamente la lotta per la legittimità che sia l’arte minimale astratta che i suoi sostenitori hanno dovuto sopportare sin dalla sua apparizione nella metà del ventesimo secolo.

L’opera dell’astrattista di Melbourne Terri Brooks e, in realtà, le opere di questa mostra Principia invitano a queste stesse incomprensioni generali e scetticismi che le persone spesso attribuiscono a un’esperienza di arte astratta. Tuttavia, ciò che è manifestamente chiaro attraverso questa mostra splendidamente costruita e intellettualmente coinvolgente è che è necessario di più del semplice guardare, per comprendere il linguaggio visivo altamente poetico e simbolico dell’artista Terri Brooks.

I dipinti in questa mostra riflettono un legame con ambienti sia urbani che bucolici. Brooks cerca gli spazi, le superfici esposte alle intemperie di pietra, cemento e legno, le geometrie irregolari e la fantasia di oggetti naturali, le oscillazioni climatiche della stagione, la spinta verticale dell’ambiente urbano e gli sconfinati orizzontali dello spazio rurale, distillando tali esperienze e riducendole visivamente al loro stato più puro e fondamentale per renderli tangibili, un mondo senziente e personale.

In modo significativo Principia presenta agli spettatori un paradosso avvincente mentre proietta un’estetica ruvida e imprecisa, eccessivamente ostinata nella sua ripetizione gestuale, persistente nel suo riferimento a forme vagamente reticolate e risolutamente riduttiva nella sua analisi finale; il suo lavoro offre allo spettatore un sottile didatticismo concettuale.I dipinti non sono semplicemente oggetti visivi senza alcun collegamento a concetti che possono essere analizzati e valutati: tutti gli oggetti di design proiettano un’impressione dell’atteggiamento psicologico e morale che li supporta. Allora qual è il vantaggio dell’astrazione di Brooks? Dove si trova? E come va inteso? Il dispiegamento dell’estetica riduzionista e della griglia modernista, anche se spesso smontata nell’opera di Brooks, fornisce punti di partenza chiave sia per l’artista che per lo spettatore. Le proprietà fisiche della griglia offrono stasi e mancanza di gerarchia, che informa la promessa di trasformazione di questo lavoro. L’attenzione è data alla semplicità della struttura delle opere, alle loro qualità ordinate e silenziose, che reindirizzano lo spettatore sulla qualità delle proprie percezioni. Lo spettatore passa da uno stato di caos all’equilibrio interiore e di conseguenza, si è sollecitati a riflettere sul presente a un livello profondamente fisico. Ogni aspetto di tale esperienza, la sua riflettività, il modo in cui illumina la natura del nostro sentire e del nostro sapere attraverso un oggetto, una situazione spaziale, suggerisce un’analogia con la postura e il metodo dell’indagine fenomenologica. Brooks attira lo spettatore, stabilendo intime connessioni con queste opere attraverso un gioco strategico di relazioni interne; connessioni stabilite da articolazioni gestuali, delicate sovrapposizioni di colori, momenti di forma fortuiti e posizionamento strategico di elementi compositivi. Curiosamente queste opere operano quindi per costringere lo spettatore a una distanza da cui tutte le parti componenti dell’opera diventano elementi critici di un tutto integrato e dove lo spazio architettonico in cui queste opere sono esposte richiede anche il riconoscimento come elemento estetico chiave.Questa è un’arte che elimina il descrittivo, esclude il pittorico, il narrativo e il fittizio, concentrandosi così sull’essenziale nella forma, creando quella che spesso viene definita verità. Così l’approccio estetico ridotto di Brooks ci parla di ordine, franchezza, integrità, veridicità e moralità; di conseguenza, queste predilezioni stilistiche funzionano per estendere un invito al pubblico a essere propositivo, etico e socialmente equo – l’articolazione materiale delle nostre idee di una buona vita. Questa idea che l’arte di Brooks , o qualsiasi altra arte del resto, possa parlarci di questioni di moralità e verità, ci aiuta a porre al centro dei nostri enigmi estetici la questione dei valori in base ai quali vogliamo vivere piuttosto che semplicemente come vogliamo che le cose appaiano. Abbiamo iniziato qui con una spiegazione delle censure spesso rivolte all’arte astratta come base per la discussione della profonda severità dei dipinti del nulla di Brooks e finiamo con le toccanti parole del poeta inglese Robert Browning: “Ciò che è meno complicato è spesso meglio compreso e più apprezzato di ciò che è più complicato; la semplicità è preferibile alla complessità; la brevità nella comunicazione è più efficace della verbosità”.

The profundity of nothing

Terri Brooks: Principia

A.J.Byrnes

What is abstract art good for? What’s the use for us as individuals or as a society – of pictures of nothing, of paintings or sculptures or drawings that on initial encounter, do not seem to show anything but themselves? These opening words in a seminal textby American writer and academic Kirk Varnedoe succinctly articulate the fight for legitimacy both abstract minimal art and its advocates have had to endure since its reception in the middle part of the Twentieth Century.

The oeuvre of Melbourne abstractionist Terri Brooks and indeed the works in this exhibition Principia invite this same general misunderstandings and scepticismsthat people often bring to an experience of abstract art. However what is mademanifestly clear through this beautifully constructed and intellectually engaging exhibition is that more than just pure looking is necessary to understand the highly poetic and symbolic visual language of artist Terri Brooks.                                                      

The paintings in this exhibition reflect an engagement with environments both urban and bucolic. Brooks seeks out spaces – the weathered surfaces of stone, concrete and timber, the irregular geometries and patternation of natural objects, the climatic vacillations of season, the vertical thrust of the urban environment and the boundless horizontals of rural space – distilling such experiences and reducing them visually to their purest and most fundamental state in order to make tangible, a sentient and personal world.

Significantly, Principiapresents viewers with a compelling paradox – whilst projecting a rough and imprecise aesthetic, inordinatelyobdurate in its gestural repetition, persistent in its reference to loosely gridded formsand resolutely reductive in its final analysisthis work proffers the viewer with a subtleconceptualdidacticism.

Paintings are not simply visual objects without any connection to concepts that can be analysed then evaluated – all objects of design project an impression of the psychological and moral attitude it supports. 

So what is the beneficence of Brooks’ abstraction? Where can it be located? And how is it to be understood?

The deployment of reductionist aesthetics and the modernist grid – albeit an often disassembled one in Brooks’ work, provide key points of departure for both artist and viewer.  The physical properties of the grid offer stasis and a lack of hierarchy, which informs the transformative promise of this work.  Attention is given to the simplicity of the works’ structure, to their ordered qualities and muteness, which directs the viewer back upon the quality of his or her own perceptions.The viewer moves from a state of chaos to inner equilibrium and focused attention and as a consequence, one is urged to reflect on the present at a profoundly physical level. Every aspect of such an experience, its reflectiveness, the manner in which it illuminates the nature of our feeling and knowing through an object, a spatial situation, suggests an analogy to the posture and method of phenomenological inquiry.[1]

Brooks draws the viewer in, establishing intimate connections with these works through a strategic play of internal relations; connections set up by gestural articulations, delicate layering of colours, serendipitous moments of form and the strategic placement of compositional elements.  Curiously these works then operate to force the viewer to a distance from where all the component parts of the work become critical elements of an integrated whole and where the architectural space in which these works are shown also demands recognition as a key aesthetic element.

This is art that eliminates the descriptive, excludes the pictorial, narrative and the fictive, thus focusing on the essential in form, creating what is often referred to as a truth.[2]Thus Brooks’ reduced aesthetic approach speaks to us about order, directness, integrity, veracity and morality; accordingly these stylistic predilections function to extend an invitation for the audience to be purposeful, ethical and socially equitable – the material articulation of our ideas of a good life. This idea that Brooks’ art – or any art for that matter, can speak to us on matters of morality and truth, helps us to place at the very centre of our aesthetic conundrums the question of the values we want to live by rather than merely how we want things to look.

We started here with an explication on the censures often levelled at abstract art as a platform for the discussion of the profound weightiness of Brooks’ paintings of nothing and we finish with the poignant words of English poet Robert Browning,

That which is less complicated is often better understood and more appreciated than what is more complicated; simplicity is preferable to complexity; brevity in communication is more effective than verbosity.

[1] Michelson as cited in: Minimalism – Meyer, Phaidon publishing NY, 2000, reprinted 2005.

[2]Lucy Lippard, The Silent Art, Art in America Magazine, (January – February ed) 1967, Art in

America Publications.

Dal 1989 Terri Brooks ha tenuto oltre venti mostre personali in Australia, Nuova Zelanda, Italia e Paesi Bassi, oltre a partecipare a numerose mostre tra cui fiere d’arte negli Stati Uniti, Regno Unito, Germania, Italia, Paesi Bassi, Grecia, Polonia e Hong Kong. Il suo lavoro è nella Collezione del Museo di Neubrandenburg, in Germania, nella Collezione del Gruppo Macquarie, nella Westpac Bank, in molte altre collezioni aziendali e private in tutto il mondo. Per oltre dieci anni il suo lavoro è stato incorporato in progetti di importanti interior designer e architetti per interni esclusivi e prestigiosi. Nel 2018 ha completato due importanti commissioni per il Westin, Perth e lo Sheraton Four Points, Sydney. Il marchio dei miei dipinti astratti comprende l’uso di elementi opposti tra cui nero, bianco, punto e linea e orizzontali e verticali. Processi naturali, architettura e “segni trovati” osservati camminando nella città e nel paesaggio .

Since 1989 Terri Brooks has held over twenty solo shows in Australia, New Zealand, Italy and the Netherlands as well as participating in numerous exhibitions including art fairs in the US, UK, Germany, Italy, the Netherlands, Greece, Poland and Hong Kong. Her work is in the Neubrandenburg Museum Collection, Germany, The Macquarie Group Collection, Westpac Bank, many other corporate and private collections around the world. For over ten years her work has been incorporated into projects by leading interior designers and architects for exclusive and award winning interiors. In 2018 she completed two major commissions for the Westin, Perth and Sheraton Four Points, Sydney. The mark making of my abstract paintings comprises the use of opposite elements including black, white, dot and line and horizontals and verticals. Natural processes, architecture and ‘found marks’ observed walking in the city and landscape inform the work.